La mostra di Hong Kong si concentra su una serie di opere che spaziano dagli anni '80 ai giorni nostri, con al centro il tema della ripetizione. Schuyff afferma sinteticamente: "Voglio realizzare opere che siano belle sia con gli occhiali che senza".

Questo nuovo corpo di opere, esclusivamente realizzato con olio su lino, trae ispirazione dall'arte del lavoro a maglia. Schuyff stesso impiega una tecnica simile alla tessitura, lavorando prima in orizzontale e poi in verticale. Sebbene confessi con tono ironico: "Sono troppo occupato a dipingere per lavorare a maglia", l'artista trova dei paralleli nel ritmo della sua pratica. Schuyff commenta: "Mi piace parlare di lavoro a maglia per la natura ripetitiva da sinistra a destra, dall'alto verso il basso, della mia pratica. Una volta che ho iniziato non c'è molto a cui pensare. Ho mani esperte, sono molto bravo a tessere a maglia".

L'abilità artigianale insita nella tessitura, unita all'abile pennellata di Schuyff, ha la precedenza su qualsiasi narrazione o significato specifico. Il processo diventa quasi terapeutico, evocando un senso di spiritualità e ipnosi. Le opere di Schuyff sono una tela per la sua implacabile ossessione per la tecnica, che mira a un livello di perfezione e precisione matematica.

Questa ossessione per la ripetizione geometrica risale agli inizi della carriera di Schuyff, negli anni Ottanta. Nel cuore dell'East Village di New York, in quell'epoca vibrante, Schuyff era immerso nell'energia di una rivoluzione artistica. Vivendo nello storico e iconico Chelsea Hotel e gravitando attorno a personalità come Andy Warhol ed esponendo in gallerie come Pat Hearn, Gagosian e Leo Castelli, Schyuff ha cercato di creare opere svuotate di significato, celebrando l'atto creativo della pittura e affrontando il tema del nulla.

Schuyff ricorda il manifesto minimalista quando Donald Judd e Frank Stella dichiararono: "Quello che vedi è quello che vedi". Sebbene Schuyff abbracci ed esplori questa idea del nulla nel suo lavoro, la sua abilità artistica, il suo lavoro e la sua abile maestria lasciano il segno.

Le composizioni di Schuyff sono tutt'altro che arbitrarie; riflettono invece una considerazione e un apprezzamento sia per il numero di unità che per la scelta dei pennelli. Questi elementi contribuiscono collettivamente al carattere e all'impatto distintivo di ogni opera. La tavolozza di colori limitata di Schuyff, che comprende principalmente il rosso, il giallo, il blu e occasionalmente il verde, non deriva da una selezione deliberata, ma piuttosto dal suo desiderio di rinunciare al controllo e lasciare che siano i dipinti stessi a dettare queste scelte.

Le opere che ne derivano sono rappresentazioni tangibili del tempo, dello sforzo e dell'abilità investiti nella loro creazione. Schuyff sottolinea: "Con questi dipinti è molto importante che la pittura sia coerente per quantità, viscosità, saturazione, velocità e gesto. Ciò richiede molta destrezza. I dipinti prendono la maggior parte delle decisioni, ma io mi prendo tutto il merito della destrezza. Mi vedo più atleta che poeta".

Descriversi come un atleta introduce un aspetto fisico e muscolare nel processo artistico di Schuyff. Ciò suggerisce che il suo approccio creativo non comporta solo uno sforzo mentale, ma anche un'intensità fisica che comporta fatica e sforzo. Come dice l'artista stesso, la collezione di unità serve come "un calcolo e un resoconto delle calorie che ho bruciato".

Warp & Weft spinge lo spettatore a esplorare l'intricata relazione tra le regole artistiche, rappresentate dalle linee orizzontali e verticali che definiscono la texture pittorica, il lavoro che questi principi richiedono all'artista e il mondo della creatività senza limiti. Incoraggia la contemplazione dell'autonomia decisionale delle opere stesse e dello spazio immaginativo che esse aprono per l'interpretazione del pubblico.