Una sezione dell'opera, imbottita con un cuscino sporgente, contrasta con la sezione drappeggiata sul pavimento. Ampie fasce di rosso e blu sono intervallate da tocchi di giallo, ocra, viola e bianco che esplodono come fuochi d'artificio in un cielo notturno. Sebbene questi gesti siano rivolti verso l'alto e verso l'esterno, rimangono volutamente concisi, lasciando visibile la tela grezza. Le frange pendono da entrambe le estremità, rafforzando l'associazione dell'hessian con i tappeti e la loro natura pratica. Alcuni bottoni di plastica cuciti punteggiano la superficie, offrendo momenti di calma in mezzo al trambusto.

Con i suoi elementi tessili e la sua forma a cupola, Crouch ricorda l'iconico divano di Sigmund Freud, rivestito di tappeti a fantasia e collocato contro una parete, anch'essa rivestita di tessuto, per creare un ambiente immersivo. Da un punto di vista psicoanalitico, gli strati di pittura nelle opere di Lewis evocano associazioni inconsce sotto la superficie e un complesso gioco tra spontaneità e introspezione. In contrasto con i gesti fluidi associati all'Espressionismo astratto, la postura fisica implicita nel titolo Crouch – accovacciarsi, suggerisce uno stato più trattenuto, che riflette le lotte interiori di contenimento e liberazione insite nel processo creativo.

Nonostante la crudezza e la spontaneità del suo lavoro, il processo di Lewis è deliberato e inizia molto prima che gli strati di pittura inizino ad accumularsi sulla superficie.

Avendo acquistato un telaio per creare la propria hessian in studio, produce un tessuto più sciolto e dalla struttura più grezza rispetto alla tela convenzionale.

Questa texture non solo offre una superficie più attraente da esplorare, ma funge anche da linguaggio codificato che riflette realtà pratiche ed economiche. Intreccia fili culturali e storici più profondi, nonché le condizioni materiali - in senso letterale e figurato - del suo lavoro. Utilizzando la iuta, Lewis rende omaggio all'eredità afroamericana.

Riconoscendo la ricca storia dell'artigianato tessile nelle comunità nere, riconosce le lotte e la resilienza associate al lavoro durante e dopo la schiavitù, in particolare nello sfruttamento dell'industria del cotone. Utilizzando questo materiale, l'artista afferma il proprio potere artistico e rivendica realtà spesso sminuite nelle narrazioni storiche. In questo senso, il suo lavoro rappresenta una “riscrittura” dell'espressione, inquadrando l'emozione nel contesto del trauma collettivo e della resilienza culturale. Così come la iuta collega il suo lavoro a realtà più grandi, la pasta di carta che produce nel suo studio svolge una funzione simile nelle sue opere su scala ridotta.

In queste opere, la materialità disordinata, soprattutto nei dipinti più monocromatici, crea una tensione tra la crudezza del mezzo e la bellezza dei pezzi finali, mentre il suo legame con i cicli di produzione li collega a contesti sociali ed economici più ampi. Sebbene Lewis sia noto soprattutto per i suoi dipinti gestuali, in particolare su supporti non convenzionali come la iuta, la sua esplorazione dell'espressione si estende a una varietà di materiali, ognuno dei quali approfondisce la nostra comprensione della sua natura mediata. Ad esempio, nelle sue opere in velcro basate su testi, realizzate nello stesso anno di Crouch, l'intrinseca malleabilità del materiale solleva domande su come le emozioni possano essere interpretate e manipolate in risposta a varie pressioni. Sia attraverso la lente del lettino di Freud che attraverso l'impegno con i materiali, il lavoro della Lewis trasforma l'osservazione in un processo riflessivo che privilegia l'autoconsapevolezza rispetto alle semplici risposte.

In una cultura che si aspetta che ci conformiamo, il suo lavoro invita a un'esplorazione più sfumata delle complessità della nostra vita interiore e delle forze esterne che la modellano.

-Elisa Schaar